北部文藝復興
北部文藝復興指遠離義大利的荷蘭、法國、英國、西班牙等地的文藝復興藝術發展，安特衛普、巴黎、勃艮第、倫敦是核心焦點。荷蘭、比利時地區被稱為歐洲的十字路口，地勢低平，大河匯注，港埠發達，倫敦、巴黎、漢堡均在300公里范圍內。本區又常被稱為佛蘭德、佛蘭芒地區(Flanders 、Flemish)，安特衛普、鹿特丹、阿姆斯特丹均為本區繁榮大城市。佛蘭德地區交通便利，多種民族匯集，商貿興盛。歷史以來屢受周邊強權壓制，但是社會民風自由，與南歐文化圈往來頻繁。 1450年以後，文藝復興時期的人文主義開始在整個歐洲傳播，本地區就是北部歐洲的文藝復興核心區。
雖然羅馬仍為歐洲天主教的領導中心，但是16世紀的義大利半島仍為多個城邦小國相持不下，教皇國僅能統治羅馬周邊的領地。但是中歐和西歐的部分地區開始成為民族國家，封建制度的衰落，馬丁路德的新教改革也對北歐洲的社會經濟變革產生影響。
人文主義影響了德，法，英，荷和波蘭的文藝復興時期。還有其他民族和地方性運動，每個運動都有不同的特點和優勢。
16世紀的北方畫家越來越多地將目光投向羅馬以尋求影響，並因此被稱為羅馬主義者。米開朗基羅和拉斐爾的文藝復興時期的藝術以及風格主義的風格傾向也對其工作產生了重大影響。
儘管文藝復興時期的人文主義以及義大利大量倖存的古典藝術品和紀念碑鼓勵了許多義大利畫家探索希臘羅馬主題，但北方文藝復興時期的畫家開發了其他主題，例如風景畫和體裁畫。
揚·馬布斯(Jan Mabuse)的《達納(Danae)》：揚·馬布斯(Jan Mabuse)是最著名的羅馬主義者。米開朗基羅和拉斐爾的影響力體現在這件作品中神話和裸露的運用上。
當文藝復興時期的藝術風格遍及北歐時，便適應了當地的習俗。例如，在英格蘭和荷蘭北部，宗教改革幾乎結束了宗教繪畫的傳統。在法國，楓丹白露學校最初由羅索·菲奧倫蒂諾(Rosso Fiorentino)等義大利人創辦，成功建立了持久的民族風格。最終，到16世紀末，Karel van Mander和Hendrik Goltzius等藝術家發展出北方的矯飾主義，也蔓延至佛蘭德地區。
新教改革的影響
新教改革是一種宗教運動，發生於16世紀的西歐，導致羅馬天主教徒和新教徒神學上的分歧。這一運動在歐洲造成了南北分裂，北部歐洲國家成為新教徒，而義、法、西葡、奧等南部歐洲國家仍然是天主教。新教神學以崇拜者與神之間的個人關係為中心，因此，宗教改革的藝術運動著重於個人與上帝的個人關係。這反映在藝術中描繪的許多平民百姓和日常場景中。
改革帶來了一種新的藝術傳統，突顯了新教徒的信仰體系，並與上文藝復興時期產生的南歐人文主義藝術產生了很大的差異。改革藝術接受了新教徒的價值觀，儘管新教徒國家生產的宗教藝術品數量大大減少了(很大程度上是因為藝術的巨大贊助者天主教會在這些國家不再活躍)。取而代之的是，新教國家的許多藝術家多樣化了世俗形式的藝術作品，例如歷史繪畫，風景，肖像畫和靜物畫。
描繪宗教人物或場景的藝術遵循了新教神學，準確而清晰地描繪了人物和故事，並強調通過神的恩典而不是通過個人事蹟或通過教會官僚機構來進行救贖。這是宗教改革期間對天主教的一項主要批評的直接影響，即畫家創造的聖經場景偏離了他們的真實故事，難以辨認，並且被繪畫效果所裝飾，而不是專注於神學信息。在主題方面，與聖人和神職人員的刻畫相比，基督的標誌性圖像和激情中的場景變得不那麼頻繁了。取而代之的是，聖經中的敘事場景和現代生活的道德描寫變得普遍。
新教改革還利用版畫在北歐的流行。版畫使圖像得以大量生產，並以低成本向公眾廣泛提供。因此，新教教會能夠通過便攜式，廉價的視覺媒體將神學帶給人們。這使得視覺說服力圖像具有廣泛的可用性。隨著16世紀安特衛普雕刻和版畫市場的巨大發展，向公眾提供了易於獲得且價格合理的圖像。許多藝術家將圖紙提供給書籍和印刷出版商。
偶像崇拜和對偶像崇拜的抵抗
所有形式的新教對宗教形象，特別是雕塑和大型繪畫，都表現出一定程度的敵意，認為它們是偶像崇拜的形式。宗教改革初期，新教徒地區的畫家為公眾展示的宗教題材少得多，部分原因是宗教藝術長期以來與天主教有關。雖然，我們一直在有意識地努力發展書籍插圖和印刷品中的聖經圖像的新教肖像。早期的宗教改革時期，一些藝術家為教堂繪畫，以與天主教聖徒非常相似的方式描繪了宗教改革的領導人。後來，新教徒的品味從教堂裡宗教場景的展示中消失了，儘管有些仍繼續在家庭中展示。
對古典神話的圖像也有反應，當時是高文藝復興時期的另一種表現。這帶來了一種與準確刻畫當前時間更直接相關的樣式。例如，布魯格的《婚宴》描繪了一個穀倉裡的佛蘭德農民婚禮晚宴。它沒有提及任何宗教，歷史或古典事件，而只是提供了對佛蘭芒地區農民日常生活的見識。
布魯蓋爾的農民婚禮：布魯蓋爾的農民婚禮是一幅畫，描繪了新教改革的藝術傳統：關注現代生活中的場景，而不是宗教或古典主題。
在更激進的傳教士中，新教改革引發了一波反傳統浪潮，或破壞了宗教形象。新教領袖，特別是赫爾德里奇·茲溫格里(Huldrych Zwingli)和約翰·加爾文(John Calvin)，積極地消除了他們教堂中的圖像，並將絕大多數宗教圖像視為偶像崇拜，甚至是純種的十字架。另一方面，馬丁·路德(Martin Luther)鼓勵在教堂中展示有限范圍的宗教意象。然而，與世俗作品的數量相比，改革聖像主義在很大程度上導致宗教形象藝術的消失。
聖像破壞：天主教祭壇碎片：1572年，在烏得勒支聖馬丁大教堂的聖壇破壞，遭到了新教聖像破壞。1919年修復後，拆除了它前面的假牆後，這一重新出現了。
安特衛普：北部文藝復興的中心
安特衛普(Antwerp)位於萊茵河出海口，商貿繁榮，在16和17世紀的大部分時間裡都是荷蘭和北歐的藝術中心。所謂的安特衛普繪畫學校在16世紀這座城市成為低地國家的經濟中心時興盛起來，並在17世紀成為弗拉芒巴洛克藝術的據點時再次繁榮起來。安特衛普學校由幾代藝術家組成，以肖像畫，動物畫，靜物畫和版畫聞名。
大約1500年，安特衛普成為(荷、比)低地國家的主要貿易和商業中心，經濟的增長吸引了許多藝術家到城市參加手工藝品協會。例如，許多16世紀的畫家，藝術家和手工業者加入了聖盧克行會，該行會教育學徒並保證質量。該市出現的第一批藝術家學校是安特衛普風格主義者，這是一群匿名的晚期哥特式畫家，活躍於大約1500年至1520年之間。
安特衛普的風俗主義與文藝復興時期或義大利的風俗主義沒有直接關係，但是這個名稱暗示著一種風格，它是對早期佛蘭芒畫家的“經典”風格的一種反應。儘管已嘗試確定個人藝術家，但大多數繪畫仍歸功於匿名大師。安特衛普風格主義的特徵是將早期的荷蘭和北文藝復興時期的風格融合在一起的畫作，並將佛蘭德和義大利的傳統都融入到同一作品中。這種風格的從業者經常畫一些主題，例如《賢士的崇拜》和《耶穌降生》，這兩個主題通常被表示為夜景，擁擠的人物並被戲劇化地照亮。崇拜場景在安特衛普的風俗主義者中特別受歡迎，
揚·戈薩特(Jan Gossaert)的《國王的崇拜》：這幅畫捕捉了安特衛普的風格主義傳統，該傳統使用宗教主題，尤其是《賢士的崇拜》作為靈感。
16世紀前半荷蘭因商貿發達及新教逐漸發展，引起宗主國西班牙的不滿與覬覦，加強壓制佛蘭芒地區。多次發生流血鎮暴事件。1568年起，荷蘭反抗西班牙發動八十年戰爭，導致許多宗教藝術作品遭到破壞，此後，教堂和修道院必須進行整修和重新裝修。奧托·范·維恩(Otto van Veen)等藝術家以及法蘭克(Franken)家族的成員以後期的風格主義風格工作，提供了新的宗教裝飾。這些也標誌著該市經濟開始衰退，因為1585年荷蘭共和國封鎖了謝爾德河，並限制了貿易。
這座城市在17世紀經歷了藝術復興。彼得·保羅·魯本斯(Peter Paul Rubens)和雅各布·喬丹斯(Jacob Jordaens)的大型工作室，以及安東尼·范·戴克(Anthony van Dyck)的影響，使安特衛普成為佛蘭德巴洛克風格的中心。這座城市是國際上具有重要意義的出版中心，大量生產舊版母版畫和書籍插圖。此外，至少在本世紀上半葉，安特衛普的動物學家或動物畫家(例如Frans Snyders，Jan Fyt和Paul de Vos)在歐洲的動物繪畫中占主導地位。但是，隨著經濟持續下滑，哈布斯堡貴族和教堂減少了光顧，許多在安特衛普接受培訓的藝術家都去了荷蘭，英國，法國或其他地方。到17世紀末，安特衛普不再是主要的藝術中心。
狩獵獎杯：安特衛普學校的一員揚·費特(Jan
Fyt)以在他的畫中使用動物圖畫而聞名。
北方文藝復興時期的繪畫
佛蘭芒畫派
佛蘭芒畫派也被稱為北方文藝復興時期，指的是在15和16世紀活躍於佛蘭芒地區(Flanders 、Flemish)的藝術家。尤其是在布魯日和根特市。在此期間，最傑出的三位畫家是揚·范·埃克(Jan van Eyck)，羅伯特·坎賓(Robern Campin)和羅吉爾·范·德·韋登(Rogier van der Weyden)，以幻覺技術或對人，空間和物體的逼真和精確呈現而取得了長足的進步。佛蘭芒畫派的首選主題通常是宗教性質的，但小畫像也很常見。這項工作的大部分以面板，單個祭壇或更複雜的祭壇的形式呈現，通常以雙聯畫或多聯畫的形式出現。
在15和16世紀，低地國家成為圍繞布魯日和根特市的政治和藝術中心。由於佛蘭芒大師採用了大型繪畫工作室，在繪畫工作室中，許多工匠幫助完成了他們的藝術作品，因此他們得以批量生產高端板材，並在整個歐洲銷售。佛蘭芒畫派幾乎與義大利文藝復興時期同時出現。但是，雖然義大利文藝復興時期是基於對古典希臘和羅馬文化的重新發現，但佛蘭芒畫派卻從該地區的哥特時代汲取了影響。這些藝術家還比義大利文藝復興時期的同行更早地嘗試過油畫。
羅伯特·坎賓
羅伯特·坎賓(Robert Campin)被認為是佛拉芒畫派的第一位大師，並被簽名為“弗勒馬爾大師”，並出現在眾多藝術品上。坎平因製作高度逼真的作品，充分利用視角和陰影而聞名，並且是最早使用油畫代替蛋彩畫的藝術家之一。他最著名的作品之一，梅羅德祭壇畫(Merode Altarpiece)是描繪天使報喜場景的三聯畫。大天使加百列(Angelel Gabriel)在瑪麗(Mary)在被認為是典型的中產階級法蘭德斯房屋的房間裡讀書時接近她。作品高度逼真，整個繪畫中的物體在當時向觀眾傳達了可識別的宗教意義。
該梅羅德祭壇歸因於羅伯特·坎平：該梅羅德祭壇是一個三聯畫，具有天使加百列接近瑪麗，是誰在精心佈置的，典型的中產階級弗蘭德家裡讀。
揚·范·埃克
揚·范·埃克(Jan van Eyck)被廣泛認為是15世紀北歐最重要的畫家之一。他因簽署和約會他的作品“ ALS IK KAN”而聞名。在此期間，簽名並不是特別習慣，但有助於確保他的持久聲譽。van Eyck活躍於布魯日，一生中非常受歡迎，他的作品具有很高的創新性和技術性。它展現了對油漆的熟練操縱和高度的真實感。范·艾克(van Eyck)完成了許多著名的畫作時，也許他最著名的作品是根特祭壇畫(Ghent Altarpiece)，這是約1432年左右創作的一幅畫。
根特祭壇由揚·凡·愛克：在根特祭壇畫，從1432左右委託polyptych，也許是凡艾克的最著名的作品。
羅吉爾·韋登
Rogier van der Weyden是三位最著名的早期佛蘭芒畫家中的最後一位。范·德·韋登(Robert der Weyden)是羅伯特·坎普(Robert Campin)的學徒，表現出許多風格上的相似之處，包括使用現實主義。他一生中非常成功，倖存的作品主要是宗教三聯畫，祭壇畫和委託畫像。到15世紀末，范德威登的知名度甚至超過了范艾克。范德威登最著名的畫作是《十字架的後裔》，約1435年。
Rogier van der Weyden 的《十字架的後裔》：Van der Weyden最著名的畫作是《十字架的後裔》，約1435年。
北部文藝復興時期的版畫
最初位於布拉格的神聖羅馬帝國皇帝的宮廷在北部文藝復興時期在支持藝術家作為贊助人方面發揮了重要作用。在此期間，藝術品經常被塗在木板上，被稱為“面板上的蛋彩畫”或“面板上的油”。面板繪畫是在一塊木頭製成的平板上製成的繪畫，既可以是一塊，也可以是許多塊連接在一起的。在16世紀帆布成為較流行的支撐媒介之前，面板是對未直接塗在牆壁(稱為壁畫)或牛皮紙上的繪畫的一種正常支撐形式，這種繪畫被用於照明手稿和繪畫的縮影。
阿爾布雷希·杜勒(Albrech Durer)是義大利北部文藝復興時期的一位著名畫家，他在馬克西米利安一世·杜勒皇帝(Emperor Maximillian I. Durer)中找到了贊助人。像這段時期的大多數畫家一樣，杜勒在木板上作畫。
阿爾布雷希特·杜勒(Albrecht Durer)，自畫像，1500年。：由於畫布尚未成為首選的媒介，這張阿爾布雷希特·杜勒的自畫像被塗在木板上。
北部文藝復興時期的德國繪畫
阿爾布雷希特·丟勒
紐倫堡出生的阿爾布雷希特·丟勒(AlbrechtDürer，1471年至1528年)是少數具有國際旅行能力的德國人之一，在15世紀末至16世紀初訪問義大利半島後，他幫助帶動了義大利阿爾卑斯山北部文藝復興時期的藝術風格個世紀。像義大利藝術家達芬奇(Leonardo da Vinci)和米開朗基羅(Michelangelo Buonarotti)一樣，杜勒(Dürer)是一位文藝復興時期的人物，擅長繪畫，版畫和數學理論等多個學科。丟勒(Dürer)將古典圖案引入北方藝術中，確保了他作為北方文藝復興時期最重要人物之一的聲譽。他的理論論文加強了這一點，其中涉及數學原理，視角和理想比例。
杜勒(Dürer)的一幅繪畫清楚地展現了人體的古典渲染，其中之一是亞當和夏娃(1507)，這是德國繪畫中的第一批全尺寸裸體題材。這些屍體與羅馬式和哥特式時期的扁平化和程式化表示形式明顯不同，顯得自然而富有活力，每個人物都擺出迷人的雙contra姿勢。儘管它們站在黑色背景下，但兩個人物所站立的地面和夏娃側翼的樹木都構成了自然主義的景觀元素。可能在近代早期歐洲第一個風景畫家，丟勒磨練了他的山水畫技能工作EN plein空氣在家裡，在他的遊記。
阿爾布雷希特·丟勒(AlbrechtDürer)，亞當和夏娃：面板上的油。1507.兩塊面板，每塊209厘米×81厘米(82英寸×32英寸)，馬德里普拉多博物館。
馬蒂亞斯·格呂內瓦爾德(MatthiasGrünewald)
馬蒂亞斯·格呂內瓦爾德(MatthiasGrünewald)不在這些事態發展之外，他的出生地位於法國東部，留下的作品很少。然而，與Haguenau的Niclaus合作創作的他的Isenheim祭壇畫(1512年至1516年)自19世紀重新受到關注以來，一直被認為是德國文藝復興時期最偉大的繪畫。這是一部充滿激情的作品，它繼承了德國哥特式不受限制的手勢和表情的傳統，運用了文藝復興時期的構圖原理，同時保持了多翼息肉的哥特式格調。
MatthiasGrünewald，Isenheim祭壇(關閉)：面板上的油(外部)。木製浮雕雕塑(室內)。1512–16。Unterlinden博物館，科爾薩，阿爾薩斯。
艾森海姆祭壇畫呈封閉形式描繪了一個消瘦的基督，他的皮膚上有許多黑斑。它的下部面板上存放著某些節日期間展示的浮雕雕塑，其打開方式使被埋葬的基督的雙腿顯得截肢了。毫不奇怪，格呂內瓦爾德(Grünewald)在一家醫務室生產了一個小教堂的祭壇，該教堂治療了患有多種疾病的患者，包括麥角菌病和鼠疫分離株。兩種疾病的主要症狀是皮膚上的疼痛性瘡。在一些麥角病病例中，四肢發展為壞疽，必須被截肢。通過皮膚潰瘍和似乎被截肢的腿，格呂內瓦爾德告訴觀看者基督知道並感受到了病人的痛苦。文藝復興時期，這種聖經人物的“人性化”在整個歐洲變得很普遍，目的是使他們與信徒更加相關。
多瑙河畫派
雷根斯堡附近的阿爾布雷希特·阿特多夫(Albrecht Altdorfer，約1480年至1538年)的多瑙河景觀(約1528年)是西方最早的純淨景觀之一。多瑙河畫派是一群活躍於16世紀上半葉在巴伐利亞和奧地利活躍的德語南部國家的藝術家的名字，其中包括阿爾布雷希特·阿爾特多夫(Albrecht Altdorfer)，沃爾夫·胡貝爾(Wolf Huber)和奧古斯丁·赫希沃格(Augustin Hirschvogel)。在Altdorfer的帶頭下，該學校在繪畫和版畫方面都產生了西方(距中國將近1000年)西方獨立景觀藝術的第一個實例。他們的宗教畫有一種表現主義風格，與格呂訥瓦爾德的表現有些相似。杜勒(Dürer)的學生漢斯(Hans Burgkmair)和漢斯(Hans)Baldung Grien(漢斯·巴爾登·格里恩(Hans Baldung Grien))主要從事版畫工作，而巴爾登(Baldung)則用許多神秘的版畫開發了女巫的主題題材。
Albrecht
Altdorfer(約1480年至1538年)，雷根斯堡附近的多瑙河景觀(約1528年)：最早的西方純淨景觀之一，來自德國南部的多瑙河學校。
漢斯·霍爾拜恩
漢斯·霍爾拜因(Hans Holbein)和他的兄弟西吉斯蒙德·霍爾拜因(Sigismund Holbein)繪製了色彩豐富的宗教作品。他後來的繪畫作品展示了他是如何率先並帶領德國藝術從(晚期)國際哥特式藝術轉變為文藝復興風格的。老奧爾拜因(Holbein the Elder)是德國藝術從哥特式向文藝復興風格轉變的先驅和領導者。他的兒子漢斯·霍爾拜因(Hans Holbein the Younger)是肖像畫家和一些宗教作品的重要畫家，主要在英格蘭和瑞士工作。
漢斯·霍爾拜恩(Hans Holbein)，處女聖母安息：油在面板上。C。1491年。布達佩斯美術館。
在16世紀上半葉的傑出成就之後，德國顯著缺乏了值得注意的藝術。接下來的幾位重要的德國藝術家以相當虛構的北方主義風格進行工作，他們必須在義大利或佛蘭德斯學習。漢斯·馮·亞琛(Hans von Aachen)和荷蘭的Bartholomeus Spranger是維也納和布拉格皇室的主要畫家，而富有成效的荷蘭薩德勒(Sadeler)雕刻師家族遍布德國和其他地區。
北部文藝復興時期的西班牙繪畫
荷蘭的影響
由於16世紀西班牙王室統治荷蘭，兩者建立了密切的經濟、政治聯繫，西班牙文藝復興時期的藝術受到荷蘭繪畫的影響。從而發現了西班牙裔畫家-荷蘭畫派風格。總體而言，由於荷蘭和義大利的影響以及地區差異，很難在西班牙對文藝復興時期和隨後的風格主義風格進行分類。
除了技術方面，文藝復興時期的主題和精神也根據西班牙的文化和宗教環境進行了修改。因此，幾乎沒有描述古典主題或女性裸體。相反，這些作品經常表現出虔誠的奉獻精神和宗教熱情，這些特徵在整個17世紀及以後的西班牙反改革派的許多藝術中仍將占主導地位。
西班牙黃金時代
西班牙黃金時代是因航海發展，掠奪拉丁美洲與東南亞的資源，西班牙在歐洲政治舞台上一個占主導地位並隨後衰落的時期，它見證了西班牙藝術的飛速發展。通常認為這一時期始於1492年後的某個時候，並因西班牙對法國戰爭失利，於1659年簽訂《庇里牛斯條約》結束西班牙黃金時代。在藝術上，開始時間被推遲到菲利普三世(1598–1621)統治時期或之前，而結束也被延遲到1660年代或更晚。
路易斯·德·莫拉萊斯
16世紀初期西班牙最受歡迎的畫家是路易斯·德·莫拉萊斯(Luis de Morales，約1510年至1586年)，由於其繪畫的宗教色彩，他的同時代人將其稱為“神聖”。從文藝復興時期的風格開始，他還經常使用sfumato建模和簡單的構圖，但將它們與荷蘭風格的細節精確度結合在一起。他的主題包括許多虔誠的圖像，包括《聖母麥當娜和孩子》。
路易斯·德·莫拉萊斯(Luis de Morales)，《麥當娜與孩子》：布面油畫。1586年。馬德里普拉多博物館。
埃爾·格雷科
埃爾·格雷科El Greco(1541–1614)，是該時期畫家中最個人主義的畫家之一，相反，根據他在拜占庭式克里特島後學校的出身，發展出強烈的風格主義風格。後來在塞維利亞，馬德里和西班牙其他地方都流行自然主義方法。
一個人的肖像由埃爾·格雷科，1604：這可能是一個自畫像由偉大的西班牙風格主義。
埃爾·格雷科(El Greco)以其將義大利文藝復興時期帶到西班牙而產生的巨大影響而聞名，他研究了他那個時代的偉大義大利大師-提香(Titian)，丁托列托(Tintoretto)和米開朗基羅(Michelangelo)-1568年至1577年在義大利居住。他的許多作品都反映出銀色的灰色以及諸如Titian之類的威尼斯畫家的濃烈色彩，同時增加了奇怪的人物延伸，不尋常的照明，透視空間的佈置以及用非常明顯和富有表現力的筆觸填充表面。儘管他的簽名風格最終將成名並影響後來的藝術家，但埃爾·格雷科(Al Greco)在其一生中因其不遵守文體規范而在他的故鄉克里特島和他所採用的西班牙受到嚴厲批評。
1577年，埃爾·格雷科(El Greco)移居西班牙，在那裡他製作了成熟的作品。他成熟的風格以戲劇化而不是描述性為特徵。強烈的精神情感從繪畫直接轉移到觀眾。埃爾·格雷科(El Greco)偏愛高個子，苗條的人物和細長的作品，這既滿足了他的表達目的又符合美學原理，這使他無視自然規律，並將其作品延伸到更大的范圍，尤其是當它們被用作祭壇畫時。
埃爾·格雷科(El Greco)，《基督的脫衣(El Espolio)》，1577–79年：布面油畫。大教堂的祭祀，托萊多。這是El Greco最著名的祭壇之一。他的祭壇作品以其動感的構圖和驚人的創新而聞名。
埃爾·格雷科成熟作品的一項重大創新是形式與空間之間的交織。兩者之間形成了相互關係，使油漆表面完全統一。這種交織將在三個世紀後的保羅·塞尚(PaulCézanne)和畢加索(Pablo Picasso)的作品中重新出現。
埃爾·格雷科(El Greco)最著名的畫作《奧加茲伯爵的葬禮》(1586–88)將他的標誌性風格與文藝復興時期的古典復興以及中世紀的人體素描相融合。下部的記號代表了喪葬者聚集在此的土葬平面。伯爵，送葬者和大多數神職人員的穿著方式都可以肯定衣服下面的身體。但是，兩名高級神職人員掩埋了屍體，以及一位在右邊講道的人，穿著不承認屍體的笨重衣服，因為中世紀時常描繪這些人物。在上位冊上，基督，聖母瑪利亞和許多天庭成員聚集在一起，歡迎伯爵的靈魂(纏腰帶的半裸男子)來到天堂。在另一幅世俗的描寫中，埃爾·格雷科(El Greco)拉長了身體，並用掃地填充了負空間
埃爾·格雷科的Orgaz伯爵葬禮：這是El
Greco最著名的作品，描繪了當地一個流行的傳說。它清楚地分為兩個區域：天上的地面和天下的地面，組成了各個區域。
北部文藝復興時期的英國繪畫
都鐸宮廷藝術
都鐸宮廷的畫家是英國君主都鐸王朝及其在1485年至1603年間(從亨利七世統治到伊麗莎白一世去世)的朝臣聘用的畫家和畫家。通常，這些藝術家通常在一個工作室或工作室裡管理一組助手和學徒，這些藝術家創作了涉及多個學科的作品，包括肖像縮影，木板上的大型面板肖像以及照明手稿(手抄本聖經)。
對於英格蘭來說，都鐸時期是與歐洲潮流不同尋常的孤立時期之一。最初，《玫瑰大戰》極大地破壞了藝術活動，到1485年，除了建築業，退潮還非常低。在都鐸時期，外國藝術家被招募，並且經常受到英國法院的慷慨歡迎，因為他們在歐洲其他藝術邊緣地區，例如西班牙或那不勒斯。荷蘭畫家仍然占主導地位，儘管法國的影響力對受過手稿照明訓練的盧卡斯·霍倫博特(Lucas Horenbout)和尼古拉斯·希利亞德(Nicholas Hilliard)都很重要，後者是英國微型肖像傳統的創始人和最大代表。亨倫八世(Henrenbout)亨利八世的第一任妻子阿拉貢(Kaagonine)的肖像凱瑟琳(Katharine)，具有相對平坦的主題和金色輪廓，
阿拉貢的凱瑟琳與猴子(Lucas Horenbout)，1525-26年。微型。
亨利八世宮廷
亨利八世宮廷中聘用的最著名的畫家可能是德國畫家漢斯·霍爾拜因(1897–1543年)，他以北方文藝復興時期的風格工作。在國王宣稱對英國教堂的至高無上統治期間，他對皇室貴族的畫像記錄了朝廷。到1533年，霍爾拜因(Holbein)畫出他著名的雙重肖像《大使》時，亨利八世將羅馬的英格蘭教會割斷，當時教皇拒絕讓國王與阿拉貢的凱瑟琳離婚並嫁給安妮·波琳(Anne Boelyn)。
漢斯·霍爾拜因大使，1533年：面板上的油。倫敦國家美術館。
儘管霍爾拜因的保姆讓·德·丁特維爾和喬治·德·塞爾夫是法國的受命天主教神父，但繪畫中的宗教象徵主義卻明顯從屬。耶穌受難像幾乎隱藏在左上角的綠色窗簾後面。大使之間的桌子的第二層是一根琵琶琴(通常是和諧的象徵)，上面有一根斷線，象徵著英國教會與羅馬天主教的分離。本書開頭的書為不和諧的行為提供了解釋，因為它向開始新教改革的馬丁·路德(Martin Luther)讚美。與霍爾拜因的故鄉(路德教會允許一定程度的宗教意象)不同，《大使》的主題 隨著天主教的容忍度下降，預示了英國藝術中緊縮政策的新方向。
伊麗莎白一世宮廷
宗教改革時期宗教繪畫幾乎滅絕，直到那個時代末期對古典神話的興趣不大，肖像畫是所有都鐸宮廷藝術家最重要的繪畫形式，也是唯一在法國生存的形式。任何數字。從霍爾拜因的書(《皇家收藏》的幾乎所有頁面)中可以看到其中有多少已丟失，其中包含肖像的預備圖。在85張繪畫中，只有少數幾幅倖存的霍爾拜因畫作得以倖存，儘管通常複製品得以倖存。肖像畫的范圍從非正式的縮影(在幾天的過程中幾乎一成不變地以生活作畫，旨在供私人沉思)，再到後來的伊麗莎白一世大型肖像，例如彩虹肖像。，充滿著禮服，珠寶，背景和題字中的象徵意象。
艾薩克·奧利弗· 彩虹肖像 c。1600年：伊麗莎白一世(Elizabeth
I)被稱為“愛與美皇后”的肖像體現了與後來的都鐸宮廷肖像有關的精美肖像。
伊麗莎白一世對繪畫很感興趣，把自己的縮影收藏鎖在紙上，上面寫著保姆的名字，從而將自己的縮影鎖起來。據說她的燒傷畫與她希望展示的標誌性圖像不符。在登基之前，她保留了一張肖像畫。伊麗莎白一世公主(約1546年)曾歸因於威廉·斯柯特斯，但現在被認為是萊維妮婭·特林克作畫的。描繪的是一位年輕的文盲婦女直立起來，以充滿自信的方式與觀眾交流凝視，讓·克魯特以自信的方式畫了弗朗索瓦我是法國人。而霍爾拜因在《大使》中服從耶穌受難像，這幅對未來信仰捍衛者的肖像中唯一象徵宗教象徵的是她胸針和皮帶上的抽象十字形設計。她手中的書和她身後的畫架上沒有書名或文字，使它們可以解釋為世俗文學，而不是聖經經文。
伊麗莎白一世(Levinia Teerlinc)飾演公主[c]。1546：面板上有油。溫莎城堡的皇家收藏。
儘管古典裝飾風格的自信保姆的肖像風格在裝飾背景下表現出法國的影響力，但保姆的性別在當時的英國是獨一無二的。由於亨利八世唯一的存活兒子在青春期期間去世，因此必須修改英國的繼承法，以允許伊麗莎白和她的姐姐瑪麗獲得王位。後來的伊麗莎白肖像經常會描繪她手裡拿著地球儀，象徵著她在探索和征服時代日益發展的國際力量。另一方面，在法國，婦女被禁止擔任主權統治者，永遠不會被描繪成擁有這種權力。
北方文藝復興時期的書籍
照明手稿(手抄本聖經)
在1400年代初期到中期，照明書籍被認為是一種高級藝術形式，勃艮第(佛蘭德斯)是這種創作的中心。
哥特時期的照明手稿聖經
哥特時期通常會看到帶照明的手稿的製作有所增加，同時也看到了更多世俗的作品，例如編年史和帶照明的文學作品。富裕的人們開始建立個人圖書館。大膽的菲利普(Philip the Bold)可能是15世紀中葉那個時代最大的個人圖書館。據估計，他有大約600幅照明手稿，而他的許多朋友和親戚中有數十人。
修道院書的華麗生產
在1400年代初期到中期，照明書籍被認為是一種比面板繪畫更高的藝術形式。傳統上是在修道院中製作它們的，但到12世紀，需求水平導致它們在法語中稱為libraires的專業作坊中生產。這些作品包括宗教作品，例如經典、祈禱書、歷史、冒險故事、愛情故事、詩歌以及各種各樣的道德教化作品，我們今天可以將其歸類為自我完善的書籍。
城市聖經
到了14世紀，僧侶在修道院的藏書堂裡寫作的華麗手稿的製作幾乎完全被商業化的城市藏書所取代，尤其是在巴黎、羅馬和勃艮第，普遍製作。儘管創建手稿的過程沒有改變，但從修道院到商業場所的遷移是一個根本性的步驟。對手稿的需求增長到使修道院的圖書館無法滿足需求的程度，並開始使用世俗的抄寫員和照明手稿製作師。這些人經常住在修道院附近，在某些情況下，每當進入修道院時都打扮成僧侶，但最終卻被允許離開。實際上，照明手稿製作者通常是眾所周知的且廣受讚譽，並且它們的許多身份得以保留。
當時，照明手稿被認為是高貴的珍貴作品。擁有書籍可以表明其財富，地位和品味。此外，它們作為外交禮物或紀念朝代婚姻的禮物而變得普遍。巴黎的生產從修道院擴散之後，是巴黎的主要供應來源。然而，它的重要性在1440年代被布魯日和根特市所取代，部分原因是培養了善良的菲利普·菲利普(Philip the Good)的贊助，菲利普·菲利普(Philip the Good)去世時已收集了1000多本書。當在初期至中期15 日分別在比面板的畫作更高的尊重世紀的手稿，主人往往會產生單葉插圖幾乎隨機插入珍貴的書籍，作為師傅的顯示手段和宣傳他的技能。
傑出的照明手稿制作者
西蒙·馬里翁(Simon Marmion)也許是該領域最知名，最成功的藝術家，儘管人們認為范·艾克(van Eyck)作為匿名藝術家Hand G為都靈-米蘭時光(Turin-Milan Hours)做出了貢獻。與杰拉德·戴維(Gerard David)的作品相似，儘管目前尚不清楚它們是由他還是他的追隨者完成。面板繪畫和照明之間有相當大的重疊，到本世紀下半葉，大型手稿委託通常由幾個不同的大師共同承擔，包括許多婦女在內的更多初級畫家協助，尤其是在製作日益精緻的邊框裝飾方面。
匿名藝術家被稱為“ Hand G.”的“都靈-米蘭小時”頁面：“ Hand G”都靈的施洗約翰的誕生(上圖)和基督的洗禮(下圖)。
德國木刻版畫
在德國和荷比低地國家，木刻和版畫版畫的發展比文藝復興時期的任何其他地方都要發達。
木刻和雕刻
在德國和荷蘭低地國家，木刻和版畫版畫的發展比文藝復興時期的任何其他地方都要發達。德國人率先開發了插圖書籍。這些通常是相對較低的藝術水平，但在歐洲各地都可以看到，而木刻版通常藉給其他城市或語言的印刷商使用。
馬丁·尚高
來自德國南部的馬丁·申高(Martin Schongauer，約1450–1491年)被認為是第一位創作版畫的藝術家。他還是一位著名的畫家。他因精製交叉陰影線技術以描繪體積和陰影而進一步發展雕刻方法。另一位著名的德國版畫家被稱為“ Housebook Master”。他的印刷品是乾點印刷的：他在板上劃了線，使它們比刻版時要淺得多。
第五屆愚蠢的處女，由馬丁·尚考爾(Martin Schongauer)雕刻，1483年。
阿爾布雷希特·丟勒
德國文藝復興時期最偉大的畫家阿爾布雷希特·丟勒(AlbrechtDürer)的職業生涯是在紐倫堡一家主要工作室的學徒開始的，邁克爾·沃爾杰穆特(Michael Wolgemut)的工作室已經放棄了他的畫，以利用新媒體。丟勒(Dürer)創作了當時最富插圖的書籍《紐倫堡紀事》，由當時他的教父安東·科伯格(Anton Koberger)出版，當時歐洲最大的印刷出版商。
杜勒於1490年完成學徒制後，先後在德國旅行了四年，並在義大利旅行了幾個月，然後在紐倫堡建立了自己的工作室。他以精力充沛且平衡平衡的木刻和版畫而迅速在歐洲聞名。在此期間，他還繼續繪畫。
亞當和夏娃，由阿爾布雷希特·丟勒(AlbrechtDürer)雕刻。
印刷書本
在中國，東漢(公元105年)開始蔡倫經濟造紙、隨唐時期普及雕版印刷，北宋(1045年)畢昇發展活字印刷術，促進了科技與知識文化的普及。傳播至中東後，也推展了阿拉伯的黃金時期。但是歐洲遲至15世紀才開始學會經濟造紙、雕版印刷及古騰堡鉛活字印刷(1450年)。
歐洲的紙張產量的不斷增長，再加上歐洲印刷機的應用，為印刷書籍的普及打開了大門。在歐洲，人們已經開始在紡織品上進行木刻印刷了一段時間，因為紙張變得更便宜並且更容易獲得。大約在1450年，小型木刻書籍被稱為“大木本”或“ xylographica”，並大量複製。活頁簿是短本，由多達50片活版印刷而成，刻有木刻，包括文字和圖像。這些書是針對普通讀者的，通常是受歡迎的書名，本質上幾乎都是宗教性的，有時會重印成多個版本。15世紀和16世紀，德國和北歐是印刷作品傳播和發展的重要中心。
人們普遍認為，活字簿是可動型印刷書的一種廉價替代品，可動型印刷書在使用中，但仍然很昂貴，研究發現了40多個主題書本。最受歡迎的文本多次被重印，經常使用新的木刻複製早期的版本。印刷品通常以對開本的形式印刷，兩頁印刷在整張紙上，然後折疊一次以進行裝訂。然後將幾片這樣的葉子插入另一棵葉子內，以形成一堆葉子，將其中的一或多個縫合在一起以形成完整的書本。印刷版書籍僅印有插圖，然後手工填寫。普通書籍被認為是incunabula (或“難以處理的”)，該術語指的是歐洲在1501年之前印刷的書籍，小冊子或正面。
最著名的印刷版是荷蘭的Ars Moriendi或《垂死的藝術》。它被重印成不同版本的不同插圖。最初有一個“長版”和後來的“短版”，其中包含11張木刻圖片作為指導性圖像，可以很容易地解釋和記憶。它是在60年前黑死病令人震驚的恐怖影響以及15世紀隨之而來的社會動蕩的歷史背景下撰寫的。它非常流行，被翻譯成大多數西歐語言，並且是西方關於死亡和死亡指南的文學傳統中的第一個。
從A打印人工魚礁Moriendi：該人工魚礁Moriendi是最負盛名的塊的書。
該BIBLIA Pauperum，或貧民的聖經，也即已經作為手稿，手繪羊皮紙上，木刻接手之前，在14世紀以前就存在一個受歡迎的系列。一個BIBLIA Pauperum包括可視化描述，相關舊約到新約，經常放置插圖中心用很少的附加文本。當文本確實出現在Biblia Pauperum中時，通常是使用當地的白話語言，而不是拉丁語。根據中世紀神學家的信仰，每組圖像都專門用於福音中的一個事件，並附有兩張稍小的舊約事件圖片，這些圖片預示了中心事件。其他值得注意BIBLIA paupera包括的1455的古滕貝格聖經，以及在搖籃本 1486，印刷並通過艾哈德·雷威奇示出。
木版從打印BIBLIA Pauperum從塊書三集：BIBLIA Pauperum夏娃和蛇，報喜和基甸的奇蹟：說明舊約和新約之間的類型學對應。
除單色書本外，還生產了多色印刷本。儘管大多數多色印刷品需要為每種使用的顏色設置單獨的印刷表面，但是多色印刷的原版書是手工著色的。顏料的范圍從植物材料(例如o石(紅色和黃色))到化學來源更豐富的材料(例如鈷(藍色))不等。各種昆蟲也被用於各种红色值。由於活版書籍比傳統的照明手稿便宜，因此藝術家僅用油漆和油墨為圖像著色，而不是鍍金。
啟示錄中的彩色頁面，c。1450–1500年：大量的顏色和建模區域遮蓋了輪廓線和輪廓線，這表明手工著色，而不是每種顏色都使用單獨的塊。印刷文本為拉丁文，但手寫印刷的德語翻譯頁插入了印刷版書頁之間。
據信，大多數最早的印刷品都是在荷蘭印刷的，而後來的印刷品被認為是從德國南部印刷的。具體而言，紐倫堡、烏爾姆、奧格斯堡和施瓦本是15世紀和16世紀發展印刷媒體的著名地點。
北方文藝復興時期的建築
查特魯斯·香波堡
位於第戎郊區的卡爾特教徒修道院的查特魯斯·香波堡(Chartreuse de Champmol)代表了早期現代法國最好的紀念性作品。
輝煌的修道院
查特魯斯·香波堡( (Champuse de Champmol)，是第戎郊區的卡爾特教派修道院，現在位於法國，但在15世紀是當時獨立的勃艮第公國的首都。該修道院由大膽的菲利普公爵於1383年建立，為勃艮第的瓦洛瓦公爵提供王朝的墓地，並一直運營到1791年法國大革命期間被解散。它充斥著豐富的藝術作品，而其收藏中散落的殘餘物仍是理解該時期藝術的關鍵。Champmol的目的是與法國國王埋葬的聖但尼城堡(Cîteaux)和其他王朝墓地競爭。
土地購置和材料採石始於1377年，但直到1383年，才由巴黎的建築師Druet de Dammartin承建，之前曾在Sluis設計杜克酒莊，並在羅浮宮的建設中擔任過助手。來自第戎的顧問委員會監督了經常缺席的杜克大學的建設。到1388年，幾乎完成的教堂被奉獻。克萊斯·斯勞特(Claes Sluter)和他的工作室製作了菲利普(Philip)和他的妻子的雕像，跪著祈禱著朝著聖母教堂(Madonna and Child)的中央雕塑打開了大門。
克萊斯·斯勞特。教堂的西門：菲利普·菲利普(左)和他的妻子(右)的雕像跪在麥當娜和孩子麵前。
修道院是為紀念24名僧侶建造的，它的迴廊環繞著一個庭院，Sluter在其中建造了摩西井(Well of Moses，1395–1403)，其紀念性雕塑將國際哥特式風格與北方現實主義相結合。但是，無論哪種樣式，它們的規模都是前所未有的。這些數字從井的名字到舊約的先知再到釘十字架。儘管它原本打算用作噴泉，但為了不與僧侶的沉默誓言相衝突，放棄了水景。
克萊斯·斯勞特。摩西井：摩西井的根基顯示了預告基督复臨的先知。
在1433年，又增設了兩個僧侶，以慶祝大膽查爾斯的誕辰。這些人半隱居者生活在自己的小房子裡，而不是在教堂裡。修道院的其他居民包括非受命僧侶，僕人，新手和其他工人。
1686年的尚佩爾(Champmol)：此圖顯示了主要迴廊周圍的僧侶們的茅舍狀偏僻寺院，摩西井位於中間。
修道院與卡爾特教派的沉思使命有些矛盾，該修道院歡迎來訪者和朝聖者。公爵隨後補償了招待費。1418年，教皇放縱了前往摩西井的人們，進一步鼓勵了朝聖者。公爵家族有一個可以俯瞰教堂的私人講堂，教堂後來被毀，儘管他們的探訪實際上很少。公爵的帳目顯示繪畫和其他工程的主要佣金使修道院完整，直到大約1415年。公爵和其他捐助者後來又增加了一些工程，儘管建造速度較慢。
修道院成立時，勃艮第的瓦盧瓦王朝只有不到一個世紀的歷史。瓦盧瓦(Valois)墓的數量從未超過其在Côteaux的開普敦前輩的數量，因為教堂的合唱團規模不大，無法容納他們。以前只建造了兩個紀念碑，都以相同的風格建造，上面繪有雪花石膏的雕像，腳下有獅子，頭頂有張開翅膀的天使。在刻有雕像的石板下方 ，哥特式窗飾間擺放著未上漆的小裝飾物(送葬者)。在生產時，它們是在雕塑介質中傳達的最動人的悲傷表現。
哀悼者(喪葬者)：沙特勒烏斯·德·尚波莫爾的一個墓葬。大約40厘米高。
約翰無畏者之墓和巴伐利亞的瑪格麗特墳墓：約翰無畏者之墓委託進行了這座墳墓的工作，儘管他於1419年去世，但未做任何事情。該項目吸引了數位不同的藝術家在努力，直到1470年完成。
Champmol被設計為展示品。現在分散的藝術內容代表了該時期法國和勃艮第藝術的最偉大的紀念性作品，展示了一種與類似的著名手稿不同的傳統。
北部文藝復興時期的法國建築
弗朗西斯一世(1515–1547)在法國帶來瞭如此巨大的文化變革，以至於他被稱為法國最初的文藝復興時期的君主。
弗朗西斯一世：藝術贊助人
弗朗西斯一世(1494–1547)從1515年擔任法國國王直到他去世。在他的統治期間，法國發生了巨大的文化變革。他被稱為法國原始的文藝復興時期的君主。到1515年他登基時，文藝復興時期已經到達法國，弗朗西斯(Francis)成為主要的藝術贊助人。在他加入時，皇家宮殿的裝飾只散佈著許多偉大的繪畫而沒有雕塑。在弗朗西斯(Francis)統治期間，法國國王的宏偉藝術品收藏開始了，在羅浮宮仍然可以看到。
弗朗西斯一世由讓·克盧埃(大約1530年)：人像弗朗西斯一，他的是藝術的近代早期歐洲的大主顧之一。
弗朗西斯(Francis)向新建築投入了大量資金。他繼續了他的前任在昂布瓦斯城堡上的工作，並開始在布盧瓦城堡上進行翻新。在他的統治初期，他受義大利文藝復興時期的風格啟發，甚至可能由達芬奇(Leonardo da Vinci)設計，開始建造宏偉的香波堡(Châteaude Chambord)。弗朗西斯(Francis)重建了羅浮宮(Châteaudu Louvre)，將其從中世紀的堡壘變成了文藝復興時期輝煌的建築。他為巴黎的新市政廳(Hôtelde Ville)的建築提供資金，以控制該建築的設計。他在Bois de Boulogne修建了馬德里城堡，並重建了St-Germain-en-Laye城堡。
16世紀的城堡脫離了城堡建築。儘管它們是城堡的分支，具有通常與之相關的功能，但他們沒有嚴格的防禦措施。在這一時期，城堡中普遍有廣闊的花園和水景，例如護城河。
布盧瓦城堡的弗朗西斯一世的翅膀：布盧瓦城堡的螺旋樓梯是弗朗西斯一世領導的法國文藝復興的偉大藝術成就之一。
尚博爾城堡
香波堡(Châteaude
Chambord)，西北立面：香波堡(Châteaude Chambord)是文藝復興時期建築的典范，是盧瓦爾河谷最大的城堡，長156米，高56米。
香波堡是盧瓦爾河谷最大的城堡。它主要是作為國王的狩獵小屋而建的。佈局讓人想起帶有城堡，角樓和護城河防禦的典型城堡。內部佈局採用文藝復興時期的風格，是法國和義大利風格的將房間分組為獨立的套房的早期示例，這與中世紀的走廊房間有所不同。龐大的城堡由中央城堡組成，在拐角處有四個巨大的堡壘塔。城堡還形成了帶有兩個以上大塔的較大建築的前壁。在後面找到了可能再建兩座塔的基座，但這些基座從未開發過，並保持與牆相同的高度。城堡擁有440間客房，282個壁爐和84個樓梯。
尚博爾城堡(Châteaude Chambord)，平面圖：雅克·安德魯埃·迪·塞索(Jacques Androuet du Cerceau)(1576年)所刻的城堡平面圖。
與布盧瓦城堡一樣，香波堡的建築亮點之一就是壯觀的開放式雙螺旋樓梯。這兩個螺旋形上升而從未相遇的三層樓，由城堡最高點的一座燈塔從上方照亮。
尚博爾城堡，雙螺旋樓梯：樓梯向上延伸到三層樓。
楓丹白露城堡
弗朗西斯最大的建築項目是對楓丹白露皇家城堡的擴建和擴建，該城堡很快成為他最喜歡的住所，以及他的正式情婦(安妮，埃德佩斯公爵夫人)的住所。他委託建築師Gilles le Breton建造了新的文藝復興時期風格的城堡。樂布列塔尼保留了古老的中世紀主城，那裡的國王的公寓均位於，但將其納入新文藝復興時期的風格藝典三重奏未閉(橢圓形庭院)，建在古老的城堡的基礎。它包括具有紀念意義的PorteDorée(金門)，正門作為其南部入口，以及具有紀念意義的文藝復興時期的階梯，de Serlio門廊，以便訪問北側的皇家公寓。
吉勒斯勒布雷頓。庫爾橢圓形。楓丹白露城堡：橢圓形庭院，中間是中世紀城堡，是國王公寓所在的原始城堡的遺跡。
大約在1528年開始，弗朗西斯(Francis)建造了弗朗西斯一世美術館(Gallery Francis I)，這使他可以直接從他的公寓進入三位一體教堂。他帶來了來自義大利的建築師塞巴斯蒂安諾·塞爾利奧(Sebastiano Serlio)和佛羅倫薩畫家喬瓦尼·巴蒂斯塔·迪·雅各布(Giovanni Battista di Jacopo)來裝飾新畫廊。在1533年至1539年之間，羅索·菲奧倫蒂諾(Rosso Fiorentino)在畫廊中擺滿了讚美國王的壁畫，並用灰泥裝飾的高浮雕畫框和朗伯里 由家具製造商Francesco Scibec da Carpi雕刻而成。另一位義大利畫家，來自博洛尼亞的Francesco Primaticcio，後來加入了城堡的裝飾。他們的裝潢風格一起被稱為楓丹白露第一派。這是法國建造的第一座裝潢華麗的畫廊。廣義地說，文藝復興在楓丹白露傳入法國。
塞巴斯蒂安諾·塞里奧(Sebastiano Serlio)和羅索·菲奧倫蒂諾(Rosso Fiorentino)。弗朗西斯一世畫廊：弗朗西斯一世畫廊將國王的公寓與教堂相連，並於1533年至1539年之間進行了裝飾。它向法國介紹了義大利文藝復興時期的風格。
弗朗西斯的每個建築項目的內外都裝飾豪華。例如，楓丹白露的院子裡有一個噴水噴泉，大量的酒與水混合。噴泉與一個傳說有關，該傳說與城堡最著名的項目之一有關。
楓丹白露最引人注目的藝術作品之一是義大利雕塑家本文努托切利尼的《楓丹白露女神》(Nymphe de Fontainebleau，1542)。弗朗西斯委託這個大型青銅浮雕，在去蠟的過程中鑄造，作為門楣坐在多雷門上。在雕塑中，一個矯飾主義作品的裸體仙女斜倚在森林動物群中，中央雄鹿戴著水果的花環，象徵著弗朗西斯的力量。整體而言，這座雕像是基於一個傳說，在這個傳說中，一隻獵狗發現了一個春天，這個春天的化身是一個仙女。正是在這個春天，這座城堡和周圍的環境被命名為楓丹白露。門楣兩側是青銅雕像的裸體薩蒂爾像，它們是彼此的鏡像，也由切利尼鑄造。後來這個項目被放棄，10年後，這位仙女雕像被納入一座貴族宮殿的設計中。
本韋努托·切利尼(Nenphe de Fontainebleau)：青銅。1542年，羅浮宮博物館，巴黎。
北部文藝復興時期的西班牙建築
文藝復興時期的建築在16世紀到達伊比利亞半島，採用了一種新的風格，逐漸取代了數百年來一直流行的哥特式建築。
哥特式形式開始融合15世紀最後幾十年的文藝復興時期的古典風格。當地建築師發展了專門的西班牙文藝復興時期，帶來了南義大利建築的影響力，有時還受到照明書籍和繪畫的影響，並融合了哥特式傳統和當地傳統。這種新樣式之所以被稱為模板塊樣式(Plateresque)，是因為其極富裝飾性的外觀使人們聯想到銀匠精心製作的精美作品“ Plateros”的裝飾圖案。裝飾包括花卉圖案，枝形吊燈，花彩，奇妙的生物和類似的配置。但是，Plateresque的空間佈置更明顯是哥特式的。這種對特定部分及其間距的固定，沒有哥特式圖案的結構變化，導致它經常被歸類為文藝復興風格的一種變體。薩拉曼卡大學的外立面就是這種裝飾風格的典範。
薩拉曼卡大學外立面：薩拉曼卡大學華麗的外立面是Plateresque風格的典范。
從16世紀中葉開始，在Pedro Machuca，Juan Bautista de Toledo和Juan de Herrera等建築師的領導下，人們對古羅馬的藝術有了更加密切的遵守，有時甚至期待著風格主義。例如，佩德羅·馬丘卡(Pedro Machuca)在格拉納達建造的查理五世宮殿。
西班牙人胡安·包蒂斯塔·德·托萊多和胡安·德埃雷拉在埃爾埃斯科里亞爾的作品中出現了一種新的風格，這種風格被稱為埃爾雷里亞風格。Herrerian建築極為清醒，裸露，在使用花崗岩方石做工時尤其出色。這種風格影響了西班牙半島和殖民地的建築超過一個世紀。
西班牙昆卡省莫納斯特里奧德烏克利斯(Monasterio deUclés)：烏克利斯修道院是Herrerian建築的典范。
埃斯科里亞爾(El Escorial)的平面圖(是皇室的宮殿，神職人員的修道院和西班牙主要君主的墓地)以格柵的形式設計。這是一個設計，其起源尚有爭議。
El
Escorial，平面圖：El Escorial平面圖的方格設計具有模塊化的平面圖(如在中世紀大教堂中看到的那樣)和幾何對稱性(如在古典建築中看到的那樣)。
不管平面圖背後的原因是什麼，其基本組成以及總體外觀和主立面都符合Herrerian風格的樸素風格，使該結構看起來更像是一座堡壘，而不是宮殿或修道院。它採用了巨大的四邊形的形式，它包圍了一系列相交的通道，庭院和房間。在四個角的每個角上，都有一座塔，上面有一個尖頂，在大樓的中心附近靠近大教堂的尖頂鐘樓和圓形穹頂，比其他地方更高。在監督埃斯科里亞爾(El Escorial)的施工過程中，菲利普二世(Philip II)指示他的建築師保持簡潔感。
埃斯科里亞爾(El Escorial)鳥瞰圖：埃斯科里亞爾(El
Escorial)的建築物具有與整個歐洲文藝復興時期的建築樸素相一致的特徵，同時也預示著巴洛克時代的到來。
埃斯科里亞爾(Escorial)西立面的緊縮是文藝復興時期重新出現的古典主義的典型代表。但是，正門採用古典廟宇立面的形式堆疊在一起，實際上期待著一種建築設計，這種建築設計將在整個巴洛克時期在整個歐洲變得很普遍。
埃斯科里亞爾(Escorial)聖勞倫斯修道院，主立面：雙層神廟立麵包含多立克式和愛奧尼亞式的立柱(相對於獨立式立柱)。
北部文藝復興時期的英國建築
都鐸(Tudor)建築風格是都鐸時期(1485–1603)乃至更晚的時期，對於保守的大學贊助者而言，中世紀建築的最終發展。命名為 “都鐸式 Tudor style”是一個尷尬的名詞，暗示了在都鐸王朝時期的連續性，以及誤導性的印象，即斯圖爾特·詹姆斯一世(Stuart James I)於1603年加入後中斷了風格。它遵循了垂直風格和儘管在任何以時尚為藉口的國內建築中都被伊麗莎白時代的建築所取代，但都鐸王朝的風格仍然保留了其英國風格。牛津大學和劍橋大學各學院的新增部分仍在以都鐸式風格進行，這與哥特式複興的初衷相重疊。
都鐸(Tudor)拱門是具有尖頂的低而寬的拱門，是這一時期的標誌性特徵。它比其高度寬得多，並具有在壓力下變平的視覺效果。這種類型的拱門當用作窗戶開口時，很適合很寬的空間，如劍橋大學國王學院的教堂窗戶所見。
劍橋大學國王學院禮拜堂：劍橋大學國王學院禮拜堂是晚期哥特式(垂直)英國建築的最好典范之一，而其文藝復興初期的天幕(分隔教堂中殿和教堂)於1532年建成–36在風格上形成了鮮明的對比，展示了義大利半島對建築的影響。
一些最引人注目的凸窗屬於這一時期。倫敦聖巴薩羅繆大帝修道院教堂就是一個例子。東方窗是16世紀早期威廉·博爾頓(William Bolton)之前在聖巴薩羅繆大帝(St.Bartholomew
The Great)內部安裝的，據說是為了讓他能留意僧侶。中間面板的符號是一個十字弓“螺栓”穿過一個“tun”(桶)，一個先前名字的雙關語。
奧里爾(Oriel)窗戶，聖巴塞洛繆大帝小修道院教堂：16世紀初的倫敦。
在此期間，煙囪和封閉式壁爐的到來導致圍繞開放式壁爐的大廳的減少，這是早期中世紀建築的典型特徵。取而代之的是，壁爐現在可以放在樓上，並且有可能出現第二個故事，貫穿整個房屋。都鐸(Tudor)煙囪被放大並精心製作，以引起人們對所有者採用這項新技術的注意。碼頭的出現是為了炫耀擁有完整的全長上層樓的現代性。
小摩頓廳(Little Moreton Hall)：小摩頓廳(Little Moreton Hall)，建於16世紀中葉，是都鐸風格的木結構房屋的示例，該房屋帶有煙囪，從外面可以看到噴射的二樓。
大型房屋的風格從早期的有蓋莊園式房屋的防禦性建築中移開，取而代之的是強調美學。例如，四邊形(“ H”或“ E”形的平面圖)變得更加普遍。這些較大的建築物在建築物中加入“裝置”或“謎語”，這也很時髦，它可以展示主人的才智和使遊客感到愉悅。有時這些是天主教的象徵，例如，在三面，三角形或“ Y”形的平面圖，設計或圖案中看到的對三位一體的微妙或不太微妙的提法。
普通百姓的房屋和建築物通常是木結構的，框架通常充滿荊棘和塗抹，但偶爾也充滿磚塊。這些房屋採用最新趨勢的速度也較慢，大廳繼續盛行。修道院的瓦解提供了多餘的土地，導致了小規模的建築繁榮以及石頭的來源。
安妮·海瑟薇(Anne Hathaway)的小屋是一間擁有12個房間的農舍，威廉·莎士比亞(William Shakespeare)的妻子小時候就住在英格蘭沃里克郡Shottery村。像該時期的許多房屋一樣，在冬季，它有多個煙囪將熱量均勻地散佈到整個房屋中。最大的煙囪用於烹飪。它也有可見的木框，這是典型的都鐸式建築。
安妮·海瑟薇(Anne Hathaway)的小屋：安妮·海瑟薇(Anne Hathaway)的童年住宅設計是英格蘭都鐸郡平民居住的典型房屋。
北方文藝復興時期的雕塑
北部文藝復興時期的木雕
15世紀末和16世紀初標誌著木雕雕塑從國際哥特式到文藝復興時期的更古典風格的轉變。國際哥特式通常被看作是古典風格的複興，其特徵是端莊的高雅，取代了豐碑，以及豐富的裝飾色，細長的線條和流暢的線條。它還可以更實際地使用透視圖，建模和設置。
通過商業活動和個人旅行，義大利半島的古典風格和風俗風格開始向北發展。古典風格重現了古羅馬藝術的自然主義色彩，並註重身體特徵和表現力約束。以這種風格工作的藝術家經常使用現場模型來確保其作品的逼真外觀。另一方面，矯揉造作或後期文藝復興時期的風格拋棄了現場模型，旨在表達更具表現力的人物，導致情感和戲劇性增強，有時還會人為地拉長和比例失調的身體。這次講德語的州的木雕除了具有更傳統的國際哥特式元素外，還展示了義大利風格。
Veit Stoss(1450–1533)，Tilman Riemenschneider(1460–1531)和Peter Vischer the Elder(1455–1529)是北部文藝復興時期德語區的最著名木雕家。他們長期的職業生涯涵蓋了哥特式和文藝復興時期之間的過渡，儘管即使他們的作品開始反映文藝復興時期的原則，但他們的裝飾常常仍然是哥特式的。
威特·斯托斯
韋特·斯托斯(Veit Stoss)是一位領先的德國雕塑家，主要從事木雕工作，其職業生涯涉及晚期哥特式建築和北文藝復興時期的過渡。他的風格強調情感，通常通過傾斜的頭，低垂的眼睛，富有表情或內省的容顏和動態姿勢來傳達。他對滾滾的布藝的熟練雕刻有助於強調這種情感感。他有一個大作坊，除了自己的作品外，還有許多學生。他以與他的兒子斯坦尼斯勞(Stanislaw)合作製作的波蘭克拉科夫聖瑪麗大教堂的大型彩色祭壇而聞名。祭壇畫於1489年完成，是當時最大的三聯畫。它通過燙金，對角線和富有表現力的肢體語言來使用戲劇，傳達了斯托斯對國際哥特式風格的忠誠，
Veit Stoss的哥特式祭壇：克拉科夫的祭壇直到1489年才建成，是當時最大的三聯畫。像他的其他大型作品一樣，它需要一個大型工作室，其中包括專業畫家和燙金工。
斯托斯以多色雕塑而聞名，他還留下了一些未上漆的雕塑，成為16世紀初期短暫的首選外觀。這可以在班貝格大教堂的托比亞斯和天使(c。1504–06)中看到。像他的彩繪雕塑一樣，托比亞斯和天使保留了斯托斯的標誌性表情和肢體語言。
Veit Stoss撰寫的《托比亞和天使》：萊姆伍德。1504-06。紐倫堡日耳曼國家博物館。
蒂爾曼·里門施奈德
蒂爾曼·里門施奈德(Tilman Riemenschneider)從1483年開始活躍於維爾茨堡。他是哥特式晚期和文藝復興時期之間過渡時期最多產的，多才多藝的雕塑家之一，他是石材和石灰木的大師。他的作品的特點是小雕像的面孔富有表現力(通常以向內看的方式表現)以及其詳細且折疊得很豐富的衣服。強調內在情感的表達使里門施耐德的工作與他前任的工作有所不同。
里門施奈德(Riemenschneider)早期作為雕塑家的成功是由於他的作品具有可塑性，並且在服裝造型方面非常謹慎。這種雕刻服裝的方式以及典型的橢圓形面孔和杏仁形眼睛都是以1470年代上萊茵地區的藝術品為模型的，這意味著里門施奈德可能已經在那里或烏爾姆學習了他的貿易。後來的作品損失了早期雕塑的部分體積，從而提高了生產效率。雖然他的早期風格傳達了強烈的哥特式影響力，但他成熟的風格卻表現出矯揉造作的特色。
維爾茨堡王子主教勞倫斯·馮·比布拉(Rerenmenschneider)的墓被認為是維爾茨堡從哥特式到文藝復興風格的過渡作品。在這裡，實習生的身影以逼真的“疣與所有”現實主義描繪，表現在他的臉頰和雙下巴。這樣的屬性讓人聯想到羅馬共和國。他的上半身被沉重的窗簾遮蓋(這是許多中世紀風格的標誌)，而下半部分則描繪了他的腿部輪廓，承認衣服下面的身體(古典主義的標誌)。同樣，他的手，帷幔褶皺，劍和節杖也以逼真的方式渲染。
蒂爾曼·里門施奈德(Tilman Riemenschneider)的洛倫茲·馮·比布拉(Lorenz von Bibra)墓：石灰木。1520-22。維爾茨堡大教堂。德國維爾茨堡。
北部文藝復興時期的紡織品
北部文藝復興時期的佛蘭芒紡織品
藝術與工業的演變
到了1433年，比利時和盧森堡的大部分領土，以及其他許多低地國家，都在菲利普善意統治下成為勃艮第的一部分。當菲利普善良的孫女勃艮第的瑪麗嫁給馬克西米利安一世時，低地國家成為哈普斯堡王朝的領土。他們的兒子腓力一世(腓力一世)是後來的查理五世的父親。在查理五世繼承了多個領土之後，神聖羅馬帝國在哈普斯堡王朝下與西班牙統一。
在中世紀後期，尤其是在勃艮第時期(15和16世紀)，法蘭德斯的貿易小鎮，尤其是根特，布魯日和伊普爾，使之成為歐洲最富裕和城市化程度最高的地區之一，鄰近的土地變成布匹供國內使用和出口。結果，形成了非常複雜的文化，在藝術和建築方面取得了令人矚目的成就，可與義大利北部相媲美。15世紀末，布魯日港的貿易和主要在根特的紡織工業使法蘭德斯成為北歐最富有的地區。
拉斐爾在布魯塞爾的影響
布魯塞爾文藝復興時期的編織歷史可以追溯到教皇利奧十世(1455-1521)委託其編織的使徒行傳工作室在1515至1519年間繪製拉斐爾的漫畫之後。這些壁毯中首次採用了壁畫或其他牆壁裝飾所具有的透視效果表示法。
著名的畫家和掛毯設計師Bernard van Orley(在義大利接受過培訓)將Raphaelesque紀念性人物改頭換面，打造出一種新的掛毯風格，將義大利的雕像風格和透視再現與荷蘭豐富的敘事和裝飾傳統相結合。這些元素可以在他的名為《榮譽》的 9部分系列中找到，其中掛毯Fortuna是一個著名的例子。
伯納德·范·奧利(Bernard van Orley)創作的Fortuna。(約1520年)：布魯塞爾的彼得·范·阿斯特(Pieter
van Aelst)的工作室編織而成，分為九部分，名為《榮譽》。
千朵花
Millefleurs風格從字面上翻譯為“一千朵花”，是指許多不同的小花朵和植物的背景風格，通常顯示在綠色地面上，就像在草叢中生長。這種風格在15世紀末和16世紀初的法國和佛蘭德掛毯中最為流行，並以“獨角獸的狩獵 ”系列中最著名的例子(見下文)為例。這些來自所謂的“經典”時期，其中每個“花束”或植物都是單獨設計的，在織工工作時即由織工即興創作，而後來的掛毯(可能主要是布魯塞爾製造)通常在其上有植物的鏡像。作品的左右兩側，暗示動畫片重複使用了兩次。另一個經典的例子是死亡的勝利(1510–20)，其中的命運代表著死亡，因為他們站在墮落少女的身體上方。背景由千朵花傳統中預期的豐富植被組成。
死亡的勝利(1510–20)：旋轉，抽出並切斷生命線的三個命運(克洛托，拉奇西斯和阿特羅波斯)代表了死亡，代表著他們對貞潔墮落的身體的勝利。這是彼得·阿奇(Petrarch)的詩《勝利》中的第三個主題。首先，愛獲得勝利，然後貞操克服貞潔，貞操克服死亡，名望降臨死亡，時光成名，永恆消滅時間。
狩獵獨角獸
佛蘭德掛毯掛在整個歐洲的城堡的牆上。佛蘭德最著名的掛毯是獨角獸的狩獵，通常被稱為獨角獸掛毯。這些構成了一系列七個掛毯，始於1495年至1505年。掛毯展示了一群追求獨角獸的貴族和獵人。掛毯是用羊毛，金屬線和絲綢編織的。如今，仍然可以用三種染料廠生產出鮮豔的色彩：焊縫(黃色)，茜草(紅色)和羊毛(藍色)。一種掛毯，《獨角獸的神秘捕捉》僅能存活兩個片段。
獨角獸掛毯的第二個：七個掛毯中的第二個，通常被稱為獨角獸被發現。
解釋傳統：異教徒和基督教徒
獨角獸掛毯的許多歷史都有爭議，關於它們的原始目的和意義的理論很多，包括有關七種掛毯並非最初懸掛在一起的建議。但是，他們似乎是受布列塔尼的安妮委託來慶祝她與法國國王路易十二的婚姻。
掛毯的兩種主要解釋分別取決於異教徒和基督教的象徵主義。異教徒的解釋著重於被迷惑的戀人的中世紀傳說，而基督教著作則將獨角獸及其死亡解釋為基督的受難。長期以來，基督教作家一直將獨角獸確定為基督的象徵，這使獨角獸的傳統異教象徵成為宗教教義中可以接受的。圍繞“獨角獸狩獵 ”的原始神話是指只有一個處女只能馴服的只有一個角的野獸。隨後，基督教學者將其翻譯成寓言，暗示基督與聖母瑪利亞的關係。
古代希臘羅馬人的異教思想在於對《死亡的勝利》的解釋，而命運則來自基督教前時代。但是，掛毯也可能與Vanitas傳統保持一致，這種傳統開始出現在北部文藝復興時期，並在巴洛克時期受到荷蘭精英階層的廣泛歡迎。Vanitas的圖像，無論是靜物畫還是女性喜歡的倒影，通常將世俗的(短暫的)關注與死亡的象徵或幽靈聯繫在一起。無論女人對她的美麗有多大關注，死亡總是潛伏在背景中，隨時可能發生，使觀眾將注意力集中在自己的靈魂為來世的準備上。